El texto dedicado a la historia de la educación artística está organizado en dos bloques que forman su estructura y cuyos contenidos son: en primer lugar un repaso por la la historia de la educación artística en la antiguedad, edad media, renacimiento y Romanticismo, s.XIX, el descubrimiento del arte infantil en la primera mitad del s. XX y, en segundo lugar, la visión de la educación artística como disciplina en la segunda mitad del s. XX, dividido en los siguientes subapartados: la autoexpresión creativa, la consolidación institucional, el lenguaje visual como modo de conocimiento, la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa,
En el primer bloque tenemos, a través de Platón y Aristóteles, las primeras reflexiones acerca de la educación artística y su necesidad de implantación en la escuela.
En la Edad Media, las manifestaciones artísticas se consideraron como oficios manuales y cuya búsqueda se centraba en la perfección técnica.
Será del Renacimiento al Romanticismo cuando aparecen las primeras academias de dibujo, con Vasari y su escuela de Dibujo, en Florencia, en 1563. Defenderán la importancia del dibujo y el aprendizaje empieza a ser secuencializado, apoyado en estudios teóricos, sistema que perdurará hasta finales del XIX, cuya difusión será por toda Europa y América gracias a la Academia de París.
en el s. XIX. el dibujo se convierte en materia obligatoria en la enseñanza. Hay que adaptar la enseñanza al conjunto de la población, ya que el dibujo es necesario para trabajos cualificados y éste tendrá una sólida fundamentación geométrica. Destacan Johan Heinrich Pestalozzi, Friedrich Froebel como pedagogos que marcaron el sistema educativo de la época.
En la primera mitad del siglo XX cambió la consideración de las teorías educativas de la infancia motivado por las investigaciones en psicología evolutiva y los movimientos artísticos de vanguardia, se consideró el arte espontáneo infantil como expresión pura, primigenia, no contaminada.La actividad escolar debía estimular los modos propios y característicos de expresión de los niños.
En la segunda mitad del siglo XX, lo esencial no es el contenido sino la persona que se está formando. La educación artística no debe proponerse que todas las personas aprendan a hacer arte, sino, que a través del arte se aprenda a ser persona. Se valora el desarrollo personal, se fomenta la sensibilidad, la seguridad y la creatividad. El dibujo libre es el ejercicio principal.
La capacidad creativa es el objetivo, capacidad de descubrir y buscar respuestas.
De lenguaje culto pero sencillo, redactado en tercera persona.
El resumen es objetivo, abarca todos los periodos artísticos, centrándose en Europa.
lunes, 20 de junio de 2011
EL ARTE COMO SISTEMA CULTURAL. GEETZ, CLIFFORD (1994)
El texto está extraído de un documento de ensayo sobre la interpretación de las culturas.
El fragmento comentado está dirigido a un público amplio, de modo que está escrito en un lenguaje académico culto pero sencillo. Esta intención divulgativa se manifiesta en la casi total ausencia de tecnicismos en el texto.
El texto puede clasificarse dentro de la categoría de textos humanísticos, ya que trata un tema relacionado con lo artístico y la vida humana.Presenta una estructura expositivo-argumentativa en el que considera que los símbolos son el marco de la actuación social.
Realiza un análisis comparativo que va desde la perspectiva de la estética occidental, pasando por las manifestaciones artísticas primitivas, en el renacimiento y en el Corán
Es un texto en el que se nos plantea que el arte como sistema cultural es el producto de la acción de una cultura en una sociedad determinada y por lo tanto, es el generador de los elementos que condicionan otras acciones presentes y futuras.
El texto humanístico que comentamos se caracteriza por la utilización de un lenguaje académico correcto y sencillo, que se ajusta perfectamente a la intención divulgativa del informe. Desde el punto de vista léxico, el texto presenta algunas características de los textos humanísticos. Abundan los sustantivos y adjetivos abstractos como sociedad, creatividad, sensibilidad, variedad, espiritualización... Se manifiesta también una tendencia hacia el giro nominal, mediante el uso de formaciones nombre + adjetivo con claro valor explicativo, función social, formalismo estético, poder emocional, precisión lineal...
Desde el punto de vista sintáctico cabe el empleo del plural de modestia (se podría argumentar que ...)
Predominan los tiempos verbales tanto en presente de indicativo,como en pretérito imperfecto, tanto por la naturaleza expositiva del texto como por el tema del que se ocupa: el arte como sistema cultural en el presente y en el pasado
Valoración crítica y conclusión
Aunque las conclusiones del autor son personales, no científicas, me parecen acertadas en cuanto que afirman que " si una aproximación a la estética puede considerarse semiótica - esto es, si se ocupa de la significación de los signos -, eso significa que no puede ser una ciencia formal como la lógica o las matemáticas, sino que debe ser una ciencia social, como la historia o la antropología."
El fragmento comentado está dirigido a un público amplio, de modo que está escrito en un lenguaje académico culto pero sencillo. Esta intención divulgativa se manifiesta en la casi total ausencia de tecnicismos en el texto.
El texto puede clasificarse dentro de la categoría de textos humanísticos, ya que trata un tema relacionado con lo artístico y la vida humana.Presenta una estructura expositivo-argumentativa en el que considera que los símbolos son el marco de la actuación social.
Realiza un análisis comparativo que va desde la perspectiva de la estética occidental, pasando por las manifestaciones artísticas primitivas, en el renacimiento y en el Corán
Es un texto en el que se nos plantea que el arte como sistema cultural es el producto de la acción de una cultura en una sociedad determinada y por lo tanto, es el generador de los elementos que condicionan otras acciones presentes y futuras.
El texto humanístico que comentamos se caracteriza por la utilización de un lenguaje académico correcto y sencillo, que se ajusta perfectamente a la intención divulgativa del informe. Desde el punto de vista léxico, el texto presenta algunas características de los textos humanísticos. Abundan los sustantivos y adjetivos abstractos como sociedad, creatividad, sensibilidad, variedad, espiritualización... Se manifiesta también una tendencia hacia el giro nominal, mediante el uso de formaciones nombre + adjetivo con claro valor explicativo, función social, formalismo estético, poder emocional, precisión lineal...
Desde el punto de vista sintáctico cabe el empleo del plural de modestia (se podría argumentar que ...)
Predominan los tiempos verbales tanto en presente de indicativo,como en pretérito imperfecto, tanto por la naturaleza expositiva del texto como por el tema del que se ocupa: el arte como sistema cultural en el presente y en el pasado
Valoración crítica y conclusión
Aunque las conclusiones del autor son personales, no científicas, me parecen acertadas en cuanto que afirman que " si una aproximación a la estética puede considerarse semiótica - esto es, si se ocupa de la significación de los signos -, eso significa que no puede ser una ciencia formal como la lógica o las matemáticas, sino que debe ser una ciencia social, como la historia o la antropología."
EL ARTE EN ESTE FIN DE SIGLO, MARIA DE CORRAL
Maria de Corral (Madrid 1940) ha llevado a cabo su carrera profesional como comisaria de exposiciones internacionales y ha recibido varios premios en el que destacan ser elegida comisaria Seleccionadora de la exposición New Contemporaries, organizada por la Tate Gallery (Liverpool).
Nos presenta en este texto, un artículo de opinión, en el que nos da su punto de vista sobre el arte de fin de siglo comprendiendo desde finales de los ´70 hasta las décadas de los ´80, y ´90, siendo la autora coetánea a este momento.
En él, María de Corral, hace un breve resumen sobre el panorama del arte norteamericano y europeo, empezando por la "vuelta" a los valores tradicionales de finales de los setenta, con un retorno a lo figurable. Hace una ligera mención a Nueva York, , con un apunte al capitalismo y a la sociedad de consumo, ligera referencia también a las mujeres en los ochenta, a la fotografía, a los estereotipos y la cultura de masas y a los media en los que los artistas norteamericanos trabajan definiendo la cultura contemporánea de estados Unidos, incluyendo conceptos como la pérdida de identidad.
En cuanto al contexto europeo hace referencia a la representación alemana, británica, al concepto de los posmoderno, al minimal, y a la pérdida de fuerza de conceptos como: claridad, presencia, e identidad, entre otros.
Entrando en los noventa leemos sobre la evolución en la condición femenina, ordenadores, nuevas tendencias sociales y en una redefinición de figura.
Como artistas hace referencia a Louise Bourgeois, Barbara Kruger, Tony Cragg, Jeff Konns, y mucha entre otros.
El texto concluye con su opinión sobre el arte.
Análisis de la lengua.
Está escrito, en primer lugar, con plural de cortesía, aunque avanzado el texto se produce un giro a la primera persona.
Pretende ser el texto un resumen del arte durante las dos últimas décadas del siglo XX, y si bien como breve esquema podemos darlo por válido, como resumen general no, ya que no aparecen alusiones al panorama artístico español. Es correcta la información que da en cuanto a los artistas, aunque en contextos generales la información que da es demasiado general, poco ejemplificada.
Acaba el texto, con un párrafo citado textualmente: "Para terminar, diría que para mí existen dos formas de ver el arte: como una colección de obras maestras, o como un proceso creativo que refleja la vida. Y esta segunda visión es la que he intentado transmitirles a lo largo de esta exposición".
Nos presenta en este texto, un artículo de opinión, en el que nos da su punto de vista sobre el arte de fin de siglo comprendiendo desde finales de los ´70 hasta las décadas de los ´80, y ´90, siendo la autora coetánea a este momento.
En él, María de Corral, hace un breve resumen sobre el panorama del arte norteamericano y europeo, empezando por la "vuelta" a los valores tradicionales de finales de los setenta, con un retorno a lo figurable. Hace una ligera mención a Nueva York, , con un apunte al capitalismo y a la sociedad de consumo, ligera referencia también a las mujeres en los ochenta, a la fotografía, a los estereotipos y la cultura de masas y a los media en los que los artistas norteamericanos trabajan definiendo la cultura contemporánea de estados Unidos, incluyendo conceptos como la pérdida de identidad.
En cuanto al contexto europeo hace referencia a la representación alemana, británica, al concepto de los posmoderno, al minimal, y a la pérdida de fuerza de conceptos como: claridad, presencia, e identidad, entre otros.
Entrando en los noventa leemos sobre la evolución en la condición femenina, ordenadores, nuevas tendencias sociales y en una redefinición de figura.
Como artistas hace referencia a Louise Bourgeois, Barbara Kruger, Tony Cragg, Jeff Konns, y mucha entre otros.
El texto concluye con su opinión sobre el arte.
Análisis de la lengua.
Está escrito, en primer lugar, con plural de cortesía, aunque avanzado el texto se produce un giro a la primera persona.
Pretende ser el texto un resumen del arte durante las dos últimas décadas del siglo XX, y si bien como breve esquema podemos darlo por válido, como resumen general no, ya que no aparecen alusiones al panorama artístico español. Es correcta la información que da en cuanto a los artistas, aunque en contextos generales la información que da es demasiado general, poco ejemplificada.
Acaba el texto, con un párrafo citado textualmente: "Para terminar, diría que para mí existen dos formas de ver el arte: como una colección de obras maestras, o como un proceso creativo que refleja la vida. Y esta segunda visión es la que he intentado transmitirles a lo largo de esta exposición".
EL FINAL DEL ARTE DE ARTHUR, DANTO
Arhur Danto (n. 1924) es un crítico de arte y profesor de filosofía de EE.UU.
Texto de lenguaje culto pero sencillo, redactado en primera persona, enfatizando su opinión personal. La opiniones del autor son subjetivas y personales y en este caso no apoyo su teoría.
Al comienzo de su libro Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el
linde de la historia Arthur C. Danto piensa que el concepto de arte no había emergido en la conciencia en general hasta 1.400 d.C. La idea de Danto no es que esas todas las imágenes, iconos, esculturas, mosaicos, relieves, etc. que se habían realizado con anterioridad no podrían ser consideradas arte en un sentido amplio sino que, dada que el concepto de arte no se había formado aún, su ser de arte no figuraba en su producción. Todos esos artefactos jugaron un papel bastante diferente en la vida de las personas del que las obras de arte vinieron a jugar cuando el concepto de arte al fin emergió y lo que podríamos llamar consideraciones artísticas comenzaron a regir su producción y lo que podríamos denominar consideraciones estéticas comenzaron a gobernar nuestras relaciones con ellas como espectadores. Mediante un cambio revolucionario en la práctica cotidiana que Danto localiza en torno al 1.400 d.C. el concepto de artista entra a formar de la explicación de las imágenes piadosas desvaneciéndose la idea de que las reliquias poseen un origen milagroso.
Una vez probado que en la historia de las imágenes ha existido una era antes del
comienzo del arte, Danto apunta a que el carácter histórico del concepto de arte haría
posible que se diese una era después del fin del arte. No se trataría de una “muerte del
arte” como muchos artistas y críticos apocalípticamente han decretado sino de un fin del
arte, es decir, el fin del arte no significaría que no se podría seguir produciendo más
arte (su “muerte”) sino que cualquier arte que surgiera debería crearse sin el beneficio
siguiente. Síntomas evidentes de este fin del arte serían la impresión generalizada entre
los críticos de arte de que no ha sucedido nada realmente relevante en los últimos treinta
años, la pérdida de fe en una gran narrativa que determine el modo en que las cosas
deben ser vistas. A juicio de Danto, estamos en una época posthistórica, en el que las
grandes narrativas ya no son posibles porque el concepto mismo de historia en el que
arte se movió ha desaparecido del mundo del arte. Ya no nos es posible adherirnos a una
visión de desarrollo progresivo de la historia que había sido la manera de concebir el
arte, al menos desde Vasari, como si de una narrativa de progreso se tratase, narrativa en
la que se obtuvieron logros y ganancias en cuanto al avance de las metas del arte. A
juicio de Danto, el arte históricamente construido ha alcanzado el final de ese línea de
desarrollo y ha pasado a moverse en un plano de conciencia diferente. De ahí que en la
fase psothistórica existan innumerables caminos para la producción artística, ninguno
más privilegiado que el otro, al menos históricamente. Igualmente, en este nuevo plano de conciencia el arte del pasado está disponible para el uso que los artistas le quieran dar
y lo que ya no está disponible es el espíritu en el cual fue creado ese arte. Por tanto, no
es de extrañar que el paradigma de lo contemporáneo sea el collage tal como fue definido por Max Ernst pero con un sutil diferencia. Ernst mantenía que el collage es (el encuentro de dos realidades distantes en un plano ajeno a amba). La diferencia que Danto señala es que ya no hay un plano diferente para distinguir realidades artísticas ni esas realidades permanecen distantes entre sí. Ello se debe a que la percepción básica del espíritu contemporáneo se formó sobre el principio de un museo en donde todo arte tiene su propia lugar, donde no hay ningún criterio a priori acerca de
cómo el arte deba verse y donde no hay una narrativa a la que los contenidos del museo
deban ajustarse. El museo es hoy un campo disponible para una reordenación constante
y para una forma de arte que lo utiliza como depósito de materiales para un collage de
objetos ordenados que sugieren o defienden una tesis. Hoy el artista tiene carta libre en
el museo y fuera de sus recursos organiza exposiciones de objetos que no tienen una
conexión histórica o formal entre sí, más allá de las conexiones que proporciona el
propio artista. Para Danto, <<el museo es causa, efecto y encarnación de las actitudes y
prácticas que definen el momento posthistórico del arte1>>. Si queremos entender el
alcance de esta afirmación debemos concentrarnos por el momento en comprender ese
nuevo plano de la conciencia que caracteriza el estado posthistórico en el que según
Danto nos movemos.
miércoles, 18 de mayo de 2011
sábado, 14 de mayo de 2011
lunes, 2 de mayo de 2011
SITUACIONISMO
Este pasado viernes día 29 de abril fue la exposición del trabajo de la unidad didáctica en la que mi compañera Barbara y yo hemos estado trabajado. El tema escogido ha sido el movimiento "Situacionista" aquí os dejo un pequeño resumen del tema y los enlaces que os comentamos para seguir ampliando información.
Por ultimo daros las gracias por vuestra participación e involucración con las actividades, esperamos que hayáis disfrutado y sobre todo que hayáis entendido el concepto que os hemos querido transmitir.
INTERNACIONAL SITUACIONISTA
- La Internacional Situacionista (IS) era una organización de artistas e intelectuales revolucionarios,
entre cuyos principales objetivos estaba el de acabar con la sociedad de clases en tanto que sistema
opresivo y el de combatir el sistema ideológico contemporáneo de la civilización occidental: la llamada
dominación capitalista.
- La IS llegaba ideológicamente hablando a la mezcla de diferentes movimientos revolucionarios aparecidos
desde el siglo XIX hasta sus días, notablemente del pensamiento marxista de Anton Pannekoek,
de Rosa Luxemburg, de Georg Lukács así como del llamado Comunismo de Consejo o «Consejismo».
Esta organización, creada formalmente en la localidad italiana de Cosio d’Arroscia el 28 de julio de 1957,
nace en el seno de otro movimiento contestatario de los años 1950: la Internacional Letrista, a la cual
los fundadores de la IS, notablemente Guy Debord (1931–1994) le reprochaban su ineficiencia. Junto
a Debord participan otros exponentes situacionistas como Gianfranco Sanguinetti, Asger Jorn, Raoul
Vaneigem, Constant Nieuwenhuys y otros.
- Guy Debord; la SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO. Estudia las relaciones mercantiles sobre relaciones
entre personas en las sociedades capitalistas de occidente. Esto convierte la sociedad en espectáculo.
- La IS es el producto de la fusión de una serie de grupos anteriores de artistas e intelectuales, como la
Internacional Letrista, el Movimiento Internacional por un Bauhaus Imaginista (MIBI), el grupo COBRA
(del que formará parte Lubertus Jacobus Swaanswijk) y el Psychogeographic Comité de Londres. En
1962 se organiza una de las primeras y numerosas escisiones, por iniciativa de siete miembros disidentes
(conocidos como los Seven Rebels: Nash, Fazakerley, Thorsen, De Jong, Elde’s Studio, Strid y Hans
Peter Zimmer) la llamada Segunda Internacional Situacionista, que sin embargo no prosperará. Comúnmente
se considera a la IS una de las principales impulsoras ideológicas de los acontecimientos sociales
acaecidos en Francia en mayo de 1968.
- No hay nada situacionista sino un uso situacionista.
- CREACIÓN DE SITUACIONES : la creación de momentos colectivos que se escapan de la realidad
construida por los poderes fácticos y legitimada por los medios de comunicación.
http://www.youtube.com/view_play_list?p=6A5F1EDC4D092BC6&search_query=guy+debord+-+la+societe+du+spectacle+-
+%288+de+9%29+sub+esp
http://www.sindominio.net/ash/ash.htm
http://www.sindominio.net/ash/
Por ultimo daros las gracias por vuestra participación e involucración con las actividades, esperamos que hayáis disfrutado y sobre todo que hayáis entendido el concepto que os hemos querido transmitir.
INTERNACIONAL SITUACIONISTA
- La Internacional Situacionista (IS) era una organización de artistas e intelectuales revolucionarios,
entre cuyos principales objetivos estaba el de acabar con la sociedad de clases en tanto que sistema
opresivo y el de combatir el sistema ideológico contemporáneo de la civilización occidental: la llamada
dominación capitalista.
- La IS llegaba ideológicamente hablando a la mezcla de diferentes movimientos revolucionarios aparecidos
desde el siglo XIX hasta sus días, notablemente del pensamiento marxista de Anton Pannekoek,
de Rosa Luxemburg, de Georg Lukács así como del llamado Comunismo de Consejo o «Consejismo».
Esta organización, creada formalmente en la localidad italiana de Cosio d’Arroscia el 28 de julio de 1957,
nace en el seno de otro movimiento contestatario de los años 1950: la Internacional Letrista, a la cual
los fundadores de la IS, notablemente Guy Debord (1931–1994) le reprochaban su ineficiencia. Junto
a Debord participan otros exponentes situacionistas como Gianfranco Sanguinetti, Asger Jorn, Raoul
Vaneigem, Constant Nieuwenhuys y otros.
- Guy Debord; la SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO. Estudia las relaciones mercantiles sobre relaciones
entre personas en las sociedades capitalistas de occidente. Esto convierte la sociedad en espectáculo.
- La IS es el producto de la fusión de una serie de grupos anteriores de artistas e intelectuales, como la
Internacional Letrista, el Movimiento Internacional por un Bauhaus Imaginista (MIBI), el grupo COBRA
(del que formará parte Lubertus Jacobus Swaanswijk) y el Psychogeographic Comité de Londres. En
1962 se organiza una de las primeras y numerosas escisiones, por iniciativa de siete miembros disidentes
(conocidos como los Seven Rebels: Nash, Fazakerley, Thorsen, De Jong, Elde’s Studio, Strid y Hans
Peter Zimmer) la llamada Segunda Internacional Situacionista, que sin embargo no prosperará. Comúnmente
se considera a la IS una de las principales impulsoras ideológicas de los acontecimientos sociales
acaecidos en Francia en mayo de 1968.
- No hay nada situacionista sino un uso situacionista.
- CREACIÓN DE SITUACIONES : la creación de momentos colectivos que se escapan de la realidad
construida por los poderes fácticos y legitimada por los medios de comunicación.
http://www.youtube.com/view_play_list?p=6A5F1EDC4D092BC6&search_query=guy+debord+-+la+societe+du+spectacle+-
+%288+de+9%29+sub+esp
http://www.sindominio.net/ash/ash.htm
http://www.sindominio.net/ash/
lunes, 31 de enero de 2011
POSMODERNISMO
Vivimos en un presente aplastados por la inmediatez, lo volátil y el culto a la tecnología. Hemos perdido la personalidad individual sustituyendola por una ficticia y colectiva, que baila al son de las grandes redes sociales,del flujo de información que nos ofrece Internet sin referencias espacio temporales.
En esa busqueda de protección y reconocimiento social que nos da lo global, nos hemos alejado de los vinculos de comunicación más básicos, entre tanta totalidad y tanto orden nos hace falta coherencia.
En el supuesto que presento en este video, simulo una acción cotidiana que se da cada vez con más frecuencia en nuestro tiempo.
Una habitación en la que se encuentran 2 personas comunicandose a través de un ordenador, llegando a no interactuar por otros medios que no sean los tecnológicos.
A primera vista lo que nos parece llamar más la atención es la falta de humanidad, cercanía, emoción alguna hacia la persona que tenemos delante, o si esta existe, canalizada siempre por el medio que nos contiene. Pero más allá de esto se desprende la teatralidad, la construcción de una realidad que no es la nuestra sino matizada por lo que nos hubiera gustado ser, hacer o vivir.
Dentro de este desencanto por la sociedad, tan propio del Posmodernismo, y el tiempo en que se vive, se construyen personalidades y proyectos basados en suposiciones ficticias, el mensaje entre el emisor y el receptor se desvirtua dando salida a una pluralidad de personajes, para así disfrutar del presente con una actitud despreocupada y construir el Yo que deseemos para cada ocasión.
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